Édith Canat de Chizy (*1950)

Édith Canat de Chizy, nacida el 26 de marzo de 1950 en Lyon, es una compositora francesa contemporánea reconocida internacionalmente. Violinista de formación, estudió arte, arqueología y filosofía en la Sorbona, al tiempo que seguía una formación musical avanzada en el Conservatorio Nacional Superior de Música de París, donde obtuvo seis primeros premios, entre ellos el de composición, y se inició en la electroacústica en el Grupo de Investigaciones Musicales del IRCAM. Alumna de Ivo Malec, en 1983 tuvo un encuentro decisivo con Maurice Ohana (escucha n° 64), a quien dedicó, junto con François Porcile, una monografía en 2005 publicada por la editorial Fayard.

Autora de un catálogo de más de 120 obras (orquestales, concertantes, vocales y de música de cámara), su música concertante ocupa un lugar destacado.

Canat de Chizy ha recibido numerosos premios importantes, entre ellos el Premio de la Tribuna Internacional de Compositores, el Gran Premio de Música Sinfónica de la SACEM y el Gran Premio del Presidente de la República por el conjunto de su obra. También es Caballero de la Legión de Honor, Oficial de la Orden Nacional del Mérito y Comendador de las Artes y las Letras.

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Breves fragmentos para descubrir su estilo

Recopilación 1 (19′)

Prélude au silence (2’45) / Kyrie (4’13) / Formes du vent 1. Le soleil à la main (2′) / Bells 1. Carillon (2′) / La ligne d’ombre (7’48)

Recopilación 2 (16’30)

5 miniaturas para violín y piano (8′) / Dance (8’15)

Recopilación 3 con integración de electrónica (35’30)

Over the sea (22′) / Arcanes (13’30)

Todas estas obras y muchas otras se presentan por separado en la continuación de este artículo.

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Obras para solistas

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Música de cámara instrumental

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Obras vocales

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Obras concertantes y orquestales

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El rincón de los pedagogos

Entrevistada por el IRCAM en 2019

Los tres consejos de Édith Canat de Chizy a los compositores

1. El primer consejo que daría a un compositor es que aprenda a ser independiente, a tomar la independencia, a aprender la libertad con respecto a las estéticas dominantes, con respecto a lo que se puede esperar de ti, con respecto a todo eso.

Es realmente un aprendizaje de la libertad lo que hace que lo más importante sea lo que tienes que decir, lo que tienes que escribir, y creo que hay que dar prioridad a eso.

2. El segundo consejo es la curiosidad. La curiosidad, en primer lugar, por otras músicas, mirar partituras, ir a conciertos, escuchar.
Ahora tenemos muchos medios a nuestra disposición. Y luego, diría que la curiosidad por todas las demás formas artísticas, por la pintura, la poesía, el cine, todo lo que pueda alimentar la imaginación, porque la imaginación es algo extremadamente importante. Y eso es todo, diría que hay que aprender a ser curioso, a tener curiosidad.

3. Y la tercera cosa es el oficio. Para mí, el oficio siempre ha tenido una enorme importancia. Por lo tanto, hay que aprender a explotar todos los parámetros del sonido, aprender a organizarlos, a organizarlos a través de la forma, a través de la gestión del tiempo y la gestión del espacio.
Y ahí, creo que hay que estar muy atento al hecho de que la música se escribe, y se escribe en el tiempo, y ahí hay parámetros que son realmente muy importantes saber dominar y saber explotar.

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* Para saber más…

Edith Canat de Chizy: Acerca de «En noir et or» – Cuarteto de cuerda n.º 4

Quería escribir un cuarto cuarteto, porque componer cuartetos de cuerda es algo muy natural para mí, ya que soy violinista y toqué en un cuarteto de cuerda desde muy joven. Y mi primer cuarteto lo escribí realmente como una composición, para mí, algo muy natural. Así que hice el segundo, el tercero y luego quise hacer un cuarto.

Emmanuel André, de la Filarmónica, me llamó en marzo para preguntarme si quería escribir un cuarteto para el cuarteto Van Kuijk, para la bienal de cuartetos de cuerda, que tiene lugar en enero, pero en el marco de Eco Reasing Stars, que consiste precisamente en dar a conocer a jóvenes intérpretes. Se trata de un conjunto muy joven que toca muy poca música contemporánea, que aún no ha hecho mucha, digamos. Y es muy interesante porque, precisamente, tenemos una especie de terreno virgen para trabajar, y por lo tanto este cuarteto no debe durar más de diez minutos.

Por eso he compuesto un cuarteto de un solo movimiento, sobre un tema muy concreto. Ya he compuesto una pieza para viola y piano sobre un cuadro de Whistler, que se titula «En azul y oro», es «Nocturno en azul y oro», es la abadía de Southampton. Y me gusta mucho esta relación con la pintura, es decir, la relación entre la materia pictórica y el material sonoro, esta idea de materia, que en un cuadro puede ser una materia muy densa o, por el contrario, muy fluida.

Conocía ese cuadro, lo había visto en realidad, estaba expuesto en el museo Marmotan, y realmente era algo que se me había quedado grabado en la memoria, y me apetecía tratar ese cuarteto de cuerda con ese cuadro como telón de fondo. Y por eso lo titulé con el título del cuadro «En negro y oro». Es la imagen de unos fuegos artificiales, por la noche, evidentemente, donde predomina el negro, pero también es el movimiento, la rapidez de la bengala que se eleva y la lentitud de la bengala que desciende. Había muchas cosas en este cuadro que evocaban la diferencia en la forma de tocar, y yo jugué precisamente con eso, con ese lado misterioso, ese lado activo, es decir, el aspecto del movimiento, que también tiene una gran importancia en la música.

Y luego está la oposición entre el negro y el dorado, que para mí también es algo muy importante, es decir, la oposición de los registros, la organización de los registros entre el grave extremo, el agudo extremo, el medio, etc. Así que ahí utilicé muchos modos de interpretación diferentes, la interpretación poco acentuada, los pizz, los collégnaux, todo lo que conocemos, pero las cuerdas amortiguadas, por supuesto, para que se pase, se cambie de atmósfera, para que todas las atmósferas de este cuadro estén presentes. Y, sobre todo, es una escritura que se basa extremadamente en el movimiento, en la fluidez, en la rapidez del gesto.

Para mí, el gesto es muy importante, creo que también está relacionado con mi práctica del violín, porque el gesto instrumental es muy importante en el violín, quizás más cuando se es pianista, más cuando se es instrumentista antes, porque existe esta noción de gesto de izquierda y derecha, la mano izquierda y la mano derecha, y eso se refleja necesariamente en la escritura, porque tenemos esos tipos, como decía Messiaen, de sonidos cohete, y creo que realmente toda mi música está impregnada de esta noción de gesto. Cada vez que se toca un cuarteto de cuerda, lo que resulta muy exigente es la forma, y eso obliga a controlar y profundizar realmente en la noción de timbre, la noción de modo de interpretación, la noción de todo lo que se puede hacer con un instrumento de cuerda. Es cierto que ser violinista ayuda mucho.

Por supuesto, yo creo que se pueden hacer muchas cosas con la escritura para cuerdas, y es una especie de reto cada vez, es decir, ¿qué voy a poder encontrar para ir aún más lejos en la escritura?

Édith Canat de Chizy

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